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Europa Medios

Protagonizó 'Penny Dreadful', todo un fenómeno de la televisión norteamericana reciente, fue chica Bond en 'Casino Royale', y ha trabajado con autores como Bernardo Bertolucci, Greg Araki o Roman Polanski. La actriz Eva Green estrena en los cines españoles su nuevo trabajo, 'Proxima', sobre la relación entre una astronauta y su hija pequeña en los días previos a una ambiciosa misión espacial.

Durante la presentación de la cinta en el pasado Festival de San Sebastián pudimos hablar con ella, la gran estrella mediática, pero también con la directora detrás de 'Proxima', Alice Winocour. Guionista de la nominada al Oscar 'Mustang', al hablar con la realizadora francesa nos dimos cuenta de que en su película todo está mucho más medido de lo que parece, de su obsesión con los símbolos y la caducidad del cuerpo.

Eva Green: "Lloré al leer el guión, mi personaje es una superheroína."
  • ESPINOF: ¿Cómo entiendes esta corriente de películas que exploran la humanidad desde el espacio? Los últimos trabajos de Denis o Gray han sido dramas espaciales.

EVA GREEN: El espacio es un lugar fascinante y los astronautas son exploradores que viven por y para ello. Forma parte de nuestra naturaleza querer mirar más allá, pero creo que antes de eso tenemos que saber mirar y cuidar nuestro planeta; durante el rodaje conocimos al astronauta francés Thomas Pesquet y nos comentaba que le encantaba hacer fotos desde el espacio, fotos que también le servían para darse cuenta de lo frágil que es.

  • E: Es una película sobre los sacrificios que hacemos para sacar adelante una carrera profesional ¿Has sentido que has tenido que hacer lo mismo para sobrevivir como actriz?

EG: Sí, hay algo muy desgarrador en ella precisamente porque su profesión le impide vivir a tiempo completo con su hija. Mi trabajo es diferente, viajo mucho (es lo que más me gusta), pero no tengo el conflicto que tiene ella.

  • E: ¿Qué le hizo sumarse a este proyecto?

EG: Desde que leí el guión me enamoré de la relación entre Sarah y Estella y fue lo que hizo que me quedara. Es algo muy poderoso, hay un gran vínculo, incluso lloré al leerlo; ella es una superheroína al ser una astronauta, pero a la vez una madre coraje.

  • E: ¿Crees que una astronauta puede simbolizar a una heroína per se? Simplemente por el hecho de poder volar.

EG: Sí, y es lo que hará que muchas mujeres se identifiquen, puesto que es un tema muy moderno. Muchas mujeres tienen que elegir entre crecer profesionalmente o hacer una familia; la película pretende incitar a eso, a la necesidad de cuidar a la familia pero no vivir para ella, en este caso tenemos al personaje de su ex marido que es un tipo fantástico siempre dispuesto a cuidar a su hija.

  • E: ¿Cómo has cambiado como actriz desde que el mundo te descubrió como Bertolucci hasta que has viajado a Rusia a vestirte de astronauta?

EG: Soy más vieja [Ríe]. No lo sé, la verdad, pero tengo mucha suerte de seguir trabajando y que tanta gente cuente conmigo. Es un negocio muy duro y estresante, pero sí, sigo aquí; es un trabajo que requiere mucha energía, fe y fuerza. Es un trabajo masoquista pero yo he tenido suerte porque he trabajado con muchos directores que me han permitido explorar mundos diferentes.

  • E: ¿Crees que existe machismo en instituciones como la NASA?

EG: Segurísimo, abuso de poder y acoso sexual son dos elementos presentes en todas las compañías y partes del mundo. Sí que es cierto que con el movimiento #metoo está habiendo cambios y mejorando alguna de las condiciones de las mujeres, pero vivimos en un mundo de hombres porque son más fuertes físicamente. Cuando me puse ese traje y me metí en una piscina me di cuenta de que eso no estaba pensado para una mujer y que tienen que trabajar más duro y ser más fuertes.

  • E: La cinta se rodó en localizaciones reales y sí que es cierto que has trabajado anteriormente en exteriores pero seguro que nunca en unas instalaciones como las de la Federación Espacial Rusa en Kazajstán.

EG: Fue verdaderamente increíble, era como estar en otro planeta porque no es un destino turístico en absoluto y me sentí muy privilegiada. Nosotros grabamos muy pronto por la mañana y fue algo mágico.

  • E: ¿Crees que el cambio en la forma de consumir cine o tele ha cambiado vuestra forma de actuar?

EG: Me da verdadero miedo porque el cine está muriendo y yo misma soy cómplice porque casi nunca voy a las salas y veo todo en la televisión. Como dijo Soderbergh, sí, el cine cambia desde que lo vemos en un teléfono móvil. Yo no he cambiado mi forma de actuar, lo más difícil es trabajar con fondos verdes, algo que a pocos actores les gusta pero el tiempo es dinero y es la forma de ahorrar.

  • E: ¿Cómo trabajaste con la niña para conseguir algo tan íntimo y real?

EG: Tuvimos el lujo de ensayar durante un mes entero y fue algo fantástico porque pudimos descubrirnos y encontrar nuestra intimidad. Buscamos el día a día, la normalidad, lo rutinario… ella es una niña con mucho encanto y eso hace que robe toda la atención.

Alice Winocour: "Proxima es una celebración de nuestro planeta."
  • ESPINOF: Le preguntábamos a Eva Green acerca del cine en el espacio ¿por qué crees que los autores contemporáneos se están interesando tanto en los dramas espaciales?

ALICE WINOCOUR: Probablemente es porque al estar el planeta en cada vez peor estado, pensamos más en otras opciones y no se trata de ciencia ficción porque el próximo proyecto de la agencia espacial europea es colonizar la luna y después viajar a Marte. Hemos celebrado el cincuenta aniversario del primer alunizaje y hay algo muy interesante porque desde allí pudimos ver la Tierra pero cuando lleguemos a Marte sólo se verá oscuridad y ese es uno de los temas claves de mi película, el desapego porque quería mostrar que no es fácil vivir en la Tierra.

Proxima es el nombre de la galaxia más cercana a la tierra que no está tan lejos comparado con marte y para mi era la metáfora ideal de la relación entre una madre y una hija, alguien cercano pero a la vez lejano. La película es una celebración de nuestro planeta porque para convertirse en un astronauta has de entender que perteneces a él y que tu cuerpo está diseñado para vivir en la Tierra. En las películas los astronautas aparecen como superhumanos pero en verdad es una experiencia de debilidad y fragilidad porque no somos personas del espacio, somos humanos y las condiciones allá afuera son inhumanas porque duele, el cuerpo se expande, las células envejecen, la visión se debilita y pierdes el equilibrio; trato de explicar como la mujer se vuelve en un objeto espacial, por eso insisto en escenas como las del exoesqueleto, la ducha en betadine... porque así se convierte en una especie de mutante.

  • E: ¿Crees que el interés por el espacio tiene algo que ver con el hecho de haber eliminado nuestro lado espiritual y que vemos allí la única opción de encontrar respuestas?

AW: Sí, pero las respuestas no están en el espacio. Cuando estás a punto de despegar de la Tierra te das cuenta de que perteneces a ella. Es algo parecido a morir que te hace descubrir lo que amas la vida, al final esta gente tiene que cruzar la atmósfera, nuestra protección y, por otro lado, no podemos olvidar en lo difícil que es volver.

En la película vemos un lanzamiento real, todo lo que se ve es real porque grabamos en un centro de entrenamiento real y se siente verdaderamente peligroso cuando ves la cantidad de fuego que genera un lanzamiento.

  • E: ¿Tienes una hija? ¿Está la relación construida desde tu experiencia personal?

AW: Soy hija y tengo una hija y sí, la película se inspira mucho en ella y quería hablar de nuestra relación como algo físico que es algo que me interesa mucho del cine, el cómo se relacionan los cuerpos y por eso filmé una escena en una piscina porque es una forma de representar el líquido amniótico.

  • E: ¿Han visto tu madre y tu hija la película?

AW: Sí, de hecho le pedí a mi hija que la protagonizase pero ella me dijo que si alguna vez hacía una película no me quería a mi como directora.

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La noticia "Ser actriz es un trabajo masoquista pero yo he tenido suerte". Eva Green ('Próxima') fue publicada originalmente en Espinof por Álex Manzano .

www.espinof.com | 13/12/19

El pasado lunes, la televisión publica canadiense emitió el final de la tercera temporada de 'Anne with an E', la adaptación conjunta con Netflix de la famosa novela 'Ana de las tejas verdes'. Pues malas noticias para sus seguidores ya que no habrá cuarta temporada de la serie protagonizada por Amybeth McNulty.

Así lo ha anunciado en su perfil de Instagram Moira Walley-Beckett, quien ha explicado que la decisión viene conjunta de CBC y Netflix (que estrenará globalmente esta última temporada el próximo enero), además de sentirse agradecida por estos años de trabajo y la cálida acogida de la serie.

"Queridos fans y amigos de #AWAE, disculpas por la triste noticia de Netflix/CBC de hoy. Ojalá pudiera ser diferente, pero no lo es. Hemos alcanzado el final de la carretera a Green Gables después de tres temporadas maravillosas. Mi corazón pesa, pero estoy tan orgullosa de la serie, tan orgullosa de mi talentoso reparto, plantilla, guionistas y directores por trabajar juntos tan apasionadamente para llevar mi visión de Anne a la vida. Me siento agradecida y humilde por esta experiencia y me siento bendecida realmente por haber tenido esta oportunidad de compartir esta bella y profunda historia con todos vosotros, mis espíritus gemelos. Sé que habéis amado esta serie tanto como yo y os lo agradeceré por siempre jamás"
Imperialismo Netflix

La cancelación viene en un contexto de ruptura entre Netflix y la cadena pública canadiense CBC. Esta última considera que seguir colaborando con la plataforma para la coproducción y distribución de sus series significaría un deterioro en la industria del entretenimiento nacional. Según recoge Financial Post, Catherine Tait, la CEO del ente público, opina lo siguiente:

"Varios países han hecho tratos, como nosotros, con Netflix... y en este tiempo estamos empezando a ver que estamos alimentando el crecimiento de Netflix, o el de Amazon, en vez de alimentar nuestro propio negocio e industria nacional"

Tait, además, se ha mostrado muy crítica con el modelo de negocio de Netflix. Incluso llegó a comparar a la plataforma con un imperio colonialista que amenaza la cultura de todo aquel territorio que pisa. Declaraciones de las que se retractó poco después.

Esta ausencia de financiación a los creadores "fuera del ecosistema de Netflix" es un problema de fondo que no solo existe en Canadá, hace unos meses supimos que el gobierno de España estaba estudiando el implantar que Netflix, Prime Video, HBO y compañía pagasen una tasa de financiación a RTVE similar al que se grava a las televisiones privadas.

En otros países, además, se está buscando el que pasen a financiar el cine (en Costa Rica, por ejemplo, se ha propuesto estas últimas semanas un impuesto del 1.5%). En Europa se les exige una cuota de al menos un 30% de producción local.

Netflix ya anuncia la temporada 3 como "La temporada final"

Esta ruptura pone en peligro otra de las notables series de la CBC: 'Schitt's Creek' que ganó popularidad gracias al trato con Netflix hasta el punto de granjearse cuatro nominaciones a los pasados premios Emmy. Sin embargo, no creo que este sea el caso ya que el acuerdo de los Levy es distinto.

Otro factor: la maldición de la temporada 3

Además de esta ruptura entre CBC y Netflix, con 'Anne with an E' nos encontramos con la "maldición de la tercera temporada", que marca que una serie debe ser muy rentable como para que la plataforma pague lo que le cuesta emitirla al llegar a su temporada 3: un "bonus" (una especie de license fee, es decir, la licencia de emisión) que aumentaría considerablemente en dicho año.

Así podemos encontrarnos con una doble circunstancia que puede que se contagie a otros países. Netflix mantiene tratos similares al de CBC con varias cadenas públicas para la distribución y coproducción de series y la visión de Canadá sobre el papel de las plataformas en la producción doméstica no está muy alejada de la de otros países.

Aunque las declaraciones de Tait puedan parecer un "canadiense descubre el capitalismo", creo que esto puede ser un toque de atención al modelo de coproducciones que mantiene Netflix. Un trato que a primera vista puede ser ventajoso ya que uno recibe la golosina que es la visibilidad global mientras que otro tiene algo con el que llenar su catálogo y captar clientes... lo que hace que el crecimiento de la OTT sea bastante más importante.

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La noticia 'Anne with an E' cancelada: CBC se opone al modelo "colonialista" de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

www.espinof.com | 26/11/19

En el año 2019 cayó Nueva York tras una hecatombe nuclear. Al menos en el cine de Sergio Martino, que este año verá cómo su visión de los acontecimientos se torna más o menos real, más o menos ficticia, pero siempre muy presente en el marco de la post-apocalíptica 52ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, donde su apocalipsis neoyorquino se proyectará dentro de la retrospectiva Apocalypse domani.

No solo de Argento vivió el giallo, así que fue imposible resistir la tentación de charlar con el cineasta romano, uno de los más importantes artífices de la inmortalidad del género, el director Sergio Martino, de visita en Bruselas y responsable de icónicos títulos como ‘Todos los colores de la oscuridad’, ‘La cola del escorpión’, 'Torso - Violencia carnal' o ‘Destroyer: brazo de acero’.

Junto al director de 'Suspiria' y Mario Bava, el inventor de todo el asunto, Martino es sin lugar a dudas uno de los nombres de peso en el giallo, quintaesencia del thriller italiano, el slasher antes del slasher, un cine cargado de muertes brutales, belleza, increíbles juegos de cámara, bandas sonoras elegantes y todos los colores de la oscuridad. Martino dirigió cinco de estos títulos entre 1971 y 1973, pero también hizo mucho más. Podríamos decir que prácticamente lo hizo todo.

Kiko Vega (KV): ¿Quién mató al giallo?

Sergio Martino (SM): (Risas) La primera regla del giallo es que no se puede saber quién es el asesino. En este caso creo que nadie quiere ser el culpable, así que dejemos el misterio por cerrar. Aún está por resolver.

KV: Empezaste como asistente de producción de Mario Bava, supongo que no hay mejor escuela.

SM: Recuerdo con mucho cariño la figura de Mario Bava. Era un grandísimo profesional que siempre buscaba lo mejor para la película. Si él pensaba que la película era demasiado larga, cortaba sin miramientos. Y lo sabía desde el inicio del rodaje, pero lo rodaba todo igualmente. Si te fijas, no encontrarás muchas películas suyas que sobrepasen los noventa minutos.

KV: Al contrario que muchos de tus colegas, apenas te dejaste ver por el western.

SM: Claro. Cuando llegué a sentarme en una silla de director el género estaba a punto de desaparecer. Trabajé en varios, pero no como director. Lo hice con Romolo Guerrieri en ‘Como lobos sedientos’, en Almería. En esa película me inventé el comienzo sobre la marcha. Pensé que no teníamos un buen inicio y al director le gustó mi idea de arrancar con la escena de la playa para presentar al personaje protagonista.

KV: Ahora entiendo por qué los arranques de muchos de tus trabajos son tan impactantes. ¿Es una de tus partes favoritas a la hora de desarrollar una historia?

SM: Creo que es importante, sí, pero también el final al que llegar. Pero sí, especialmente para televisión, porque la gente apaga o cambia de canal. Un buen comienzo es importante. Si el público se aburre en los primeros cinco minutos no hay nada que hacer.

KV: Tras unos cuantos thrillers y algún giallo llega un punto de inflexión con 'Torso - Violencia carnal', para algunos el primer slasher de la historia del cine. ¿Tenías la sensación de estar haciendo algo diferente dentro del género?

SM: En aquellos tiempos y en ese estilo de película siempre estábamos obligados a meter secuencias eróticas. No me gustaba, pero estábamos obligados porque se atraía la atención de los espectadores más jóvenes. De la película me gustan especialmente algunas de las muertes, pero sobre todo los últimos veinte minutos, casi sin sonido. Creo que fue una buena idea y que su éxito posterior reside en esos detalles. La idea del asesino con una sierra salió de un suceso real de la época en Italia. Pensé que era una idea fantástica.

KV: Las bandas sonoras de tus películas son un elemento clave. ¿Las decisiones musicales eran otra prioridad? 

SM: Desde luego. Siempre he discutido con el músico incluso antes del rodaje. Me gusta hacerle saber qué es lo que voy a rodar, qué tipo de película, de misterio, de ambientación. Es importante para el suspense. Creo que eso funcionó en 'Todos los colores de la oscuridad' o 'Torso - Violencia carnal' mejor que en ninguna otra. Me entendí a la perfección con los hermanos De Angelis en la primera y con Bruno Nicolai en la segunda.

KV: ¿Cuál es tu favorita?

SM: Puede que 'Todos los colores de la oscuridad'. Todas tienen grandes bandas sonoras, no necesariamente las de género. Me gusta muchísimo la que hicimos para mi drama romántico 'Un verano para recordar', con música de Alberto Pomeranz. Cada estilo, cada película, necesita su estilo acorde con las imágenes. Pero lo más importante es rodar secuencias que sean buenas para el tempo del suspense. Cuando un secuencia no resulta demasiado sugerente a través de la pantalla, una música ideal puede ayudar mucho (risas).

Hago una pausa en la transcripción de la entrevista para demostrar que esa música de la que habla Martino, aunque no lo sepas, lleva unos cuantos años en tu cabeza, en vídeos de humor y en series de prestigio:

KV: ¿Nunca has recibido ofertas para realizar remakes de ninguna de tus películas?

SM: Por supuesto. Hace diez años se intentó producir una nueva versión italiana de 'Torso', pero no se llegó a un acuerdo económico para cubrir la producción. Los productores de entonces pensaron finalmente que tal vez era una apuesta arriesgada. Hace unos años tuve una experiencia increíble en Tokio, cuando vi que alguien había rodado 'La perversa señora Ward' exactamente igual. No tenía ni idea, pero bueno, ahí se quedó. Otro caso de "piratería" (lo dice en español).

KV: Una gran mayoría de los espectadores te identifica con el thriller, pero tus trabajos de ciencia ficción son increíbles. De hecho ‘Destroyer: brazo de acero’ y '2019, tras la caída de Nueva York' son mis favoritos.

SM: Quentin Tarantino también es muy fan de 2019. Es una estupenda película, sí. Es romántica, oscura, llena de acción... es un cuento donde hay que rescatar a la princesa. Cuando la rodé no estaba seguro de seguir vivo ese año (risas).

KV: ¿Echas de menos no haber hecho más ciencia ficción durante esa edad de oro del género en Europa?

SM: A lo largo de mi carrera he tenido buenas y no tan buenas experiencias. Ver estas películas hoy, con público en las salas, es fantástico. Hay mucho cariño y respeto, pero la verdad es que en su momento fueron maltratadas por la crítica. Este tipo de cine, el mío, el de Castellari, nunca fue respetado. Y eso que fue el momento en que realmente nuestro país se encontró haciendo industria de verdad, produciendo cientos y cientos de películas al año en producciones con el resto de países de Europa. Ahora sería imposible imaginar algo así.

KV: ¿Cuál fue el plano más complicado de rodar de tu carrera?

SM: Por desgracia en ‘Destroyer: brazo de acero’ un amigo murió en un accidente de helicóptero. Me vi en la obligación de decírselo personalmente a su hijo, y fue una experiencia terrible que hizo que cambiase mi forma de pensar en muchos aspectos. En 'Milán, tiembla, la policía pide justicia' rodamos las persecuciones entre el tráfico real. Ahora todo es falso. Más seguro, pero sin esa carga necesaria de adrenalina para tener autenticidad.

KV: ¿Si tuvieras la oportunidad de rodar una secuela de tus películas, lo harías?

SM: Creo que preferiría tener la oportunidad de tener la edad que tuve en algunas de ellas (risas). No, tuve mi momento y creo que lo aproveché.

Fotografía de portada cortesía de Offscreen Film Festival.

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www.espinof.com | 5/10/19

Han tardado tres años desde que se confirmara el proyecto y, de hecho, es casi de las primeras series que estaban en la "primera tanda" junto a 'La peste', 'La zona' y 'Vergüenza', entre otros. Estamos hablando de 'Dime quién soy', la adaptación de la novela de Julia Navarro que prepara Movistar+.

Con un estreno programado para el próximo año, ya tenemos las primeras imágenes de la serie, que ha concluido su primera fase de rodaje en España antes de irse a rodar a Budapest en lo que desde Movistar publicitan como su primera producción internacional.

Escrita por Piti Español y dirigida por Eduard Cortés ('Los Pelayo'), 'Dime quien soy' es una serie de nueve episodios que sigue a la fascinante Amelia Garayoa (Irene Escolar), cuya vida la ha llevado a presenciar los grandes episodios de la historia de Europa del siglo XX: desde el alzamiento franquista hasta la liberación de Berlín.

Todo esto acompañada por los cuatro hombres que vertebran su historia personal: Santiago (Pablo Derqui), Pierre (Oriol Pla), Albert (Will Keen) y Max (Pierre Kiwitt). El reparto principal se completa con Maria Pia Calzone y Stefan Weinert.

No he leído la novela de Navarro por lo que no sé hasta qué punto nos podemos encontrar con una gran serie. A ojo por lo que más me interesa es por el reparto, con el que me parece que podemos ver grandes cosas. Pero, como siempre, habrá que esperar.

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www.espinof.com | 30/09/19

Con James Bond de capa caída, Ethan Hunt supo aprovechar la ocasión al no haber más espías en el horizonte. Afortunadamente para todos, el personaje creado por Robert Ludlum a principios de los años ochenta, Jason Bourne, aún estaba por decir la última palabra y plantar cara al resto de espías.

6. Conspiración terrorista: El caso Bourne (The Bourne Identity)

Dirección: Roger Young

Reparto: Richard Chamberlain, Jaclyn Smith, Anthony Quayle

Carol Sobieski, guionista de títulos como 'Annie' o 'Tomates verdes fritos' adaptó la novela de Robert Ludlum en una miniserie de dos episodios que llegaban a las tres horas. Como es lógico, funciona de manera estupenda como adaptación: una hora más que la peícula de Liman es mucho tiempo para reflejar los miedos, paranoias y gabardinas del Jason Bourne que interpretó Richard Chamberlain.

'La identidad de Bourne' es un thriller competente que durante buena parte de su metraje esquiva la sensación de estar viendo una miniserie de televisión. Nadie apostaba por Chamberlain como nadie lo hizo por Damon, pero es cierto que, a pesar de haber interpretado al cachondo de Allan Quatermain para la Cannon en un par de ocasiones, resulta demasiado estirado y algo soso.

Con todo, esta protoaventura de Bourne se deja ver y tiene aciertos puntuales muy llamativos, sobre todo en cuanto a la carga de violencia que adorna cada uno de los impactos de bala.

5. El legado de Bourne (The Bourne Legacy)

Dirección: Tony Gilroy

Reparto: Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Albert Finney,  Oscar Isaac, Scott Glenn

La mayor ventaja de la película en la que el guionista oficial de la saga tomaba los mandos, era también su mayor inconveniente. 'El legado de Bourne' no es un thriller de espías como todos los demás. Es casi un thriller médico de ciencia ficción. Que se desarrolle en paralelo a la tercera entrega la dota de algo más de fuerza, pero incluso teniendo reciente la película de Greengrass, es demasiado compleja para tratar una historia más simple de lo que parece.

El avance genómico más importante de la historia de la humanidad al servicio de un programa de asesinos perfectos ideado en los despachos más oscuros de la CIA. Jeremy Renner aguanta el envite con gracia, pero el peso a soportar es demasiado, y tener a un Edward Norton que parece recién salido de 'El dragón rojo' no ayuda. Tampoco lo hace clonar secuencias de acción ni la sobreactuación de Rachel Weisz.

4. Jason Bourne

Dirección: Paul Greengrass

Reparto: Matt Damon, Alicia Vikander, Tommy Lee Jones, Vincent Cassel,  Riz Ahmed

Las heridas siguen ahí. La evolución de la saga se palpa en la fantástica madurez de Damon, casi convertido aquí en un John Rambo retirado. Solo le faltan los cristales en las manos. Un héroe crepuscular quince años después. Y esta vez es personal.

Tommy Lee Jones está estupendo como jefe despiadado, quemado, al que le da igual matar que morir, aunque en realidad prefiera lo primero. Julia Stiles está en su mejor momento en la saga y las incorporaciones de Alicia Vikander, Vincent Cassel y Riz Ahmed resultan de lo más agradecido. Como la inclusión de la privacidad de datos en las nuevas tecnologías, lo que la hace sentir por primera vez en nuestro mismo mundo.

3. El mito de Bourne (The Bourne Supremacy)

Dirección: Paul Greengrass

Reparto: Matt Damon, Joan Allen, Brian Cox, Karl Urban, Julia Stiles, Franka Potente

Tony Gilroy toma las riendas del personaje de Ludlum en solitario, aunque será Paul Greengrass quien se lleve los aplausos a partir de ahora. No habrá más que esperar por las siguientes dos entregas para darse cuenta.

Por si al bueno de Bourne no le bastaba con una secuela continuista, ya que no son pocos los flecos y las lagunas que aún le atormentan por las noches, en apenas diez minutos sirven una nueva motivación personal a un espía que ya recorre Europa a velocidad de elipsis y donde brilla por encima del resto un Brian Cox detestable y "patriota".

El estilo nervioso que caracterizará la saga aún no estaba asentado, y el cambio es brusco, pero las constantes se mantienen y la cosa se anima.

2. El caso Bourne (The Bourne Identity)

Dirección: Doug Liman

Reparto: Matt Damon, Franka Potente, Chris Cooper, Brian Cox, Clive Owen, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Gabriel Mann, Julia Stiles

Una baliza reflejada en las gafas de un humilde pescador italiano arrancaba una odisea que, de momento, se ha extendido durante quince años. Jason Bourne, ahora con las facciones de Matt Damon, fue una prueba que salió de manera ejemplar. Doug Liman, un artesano lleno de oficio, supo colocar la cámara en su sitio y radiografiar la acción cuerpo a cuerpo más clara de la saga.

'El caso Bourne' fue el thriller de espías que revitalizó el género y dio el pistoletazo de salida a una oleada de historias de espionaje (más o menos) realistas. La elección de una estrella con pintas de vecino de enfrente hacen de Bourne un personaje más identificable y cercano que los súper espías que se suelen ver en este tipo de cine.

Aunque Paul Greengrass se llevó los laureles con las entregas posteriores de la serie, fue Doug Liman el que aportó su sentido de la acción en esta película. Con las misiones imposibles reimaginando su regreso tras la entrega de John Woo y James Bond finiquitando su relación con Pierce Brosnan, el desmemoriado Bourne fue un claro referente para todos los que llegaron detrás.

1. El ultimátum de Bourne (The Bourne Ultimatum)

Dirección: Paul Greengrass

Reparto: Matt Damon, Joan Allen, David Strathairn, Julia Stiles, Paddy Considine, Scott Glenn, Albert Finney

Un fin de fiesta preciso, afilado, sin piedad. A pesar de encontrarnos ante la historia de uno de los mejores asesinos de la historia de los Estados Unidos, Jason Bourne / David Webb sigue sin tirar a matar. Detalle sin importancia mientras los villanos de despacho sigan ofreciendo personajes como el de David Strathairn.

El ultimátum se sostiene sobre un eje triangular de secuencias de acción que son ya un punto de inflexión en el género, sobre todo la set piece que se desarrolla en Londres, con el bueno de Paddy Considine en el punto de mira.

Todas ellas son magistrales, ejemplos de planificación, técnica y edición para cualquier cineasta que se atreva a rodar una película sea cual sea el género.
  La más completa de la franquicia y la que justifica el peso de una trilogía, aunque luego hayan querido seguir ampliando la familia con adopciones y algo precipitados regresos crepusculares.

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Acostumbrados al deplorable tratamiento visual que tienen las artes marciales en televisión, era de justicia acercarse de puntillas a 'Wu Assassins'. Iko Uwais, sin embargo, garantiza ciertas garantías en el combate, a poco que la realización acompañe: con una carrera relativamente breve (las dos 'The Raid', 'Merantau', 'Headshot', la increíble 'The Night Comes for Us' y la reciente y simpática 'Triple amenaza') se ha convertido en una de las nuevas estrellas del cine de acción más físico. 

Por eso, es un alivio comprobar desde su primer minuto el muy respetable tratamiento visual que tienen los combates en 'Wu Assassins': están rodados al más puro estilo oriental, sin montaje confuso, con planos generales sostenidos, buena ubicación del espacio y actores que en la mayoría de los casos interpretan sus propias peleas. Estas son, además abundantes, y brillan en casi todos los episodios una o incluso dos muy notables.

Es decir, 'Wu Assassins' es una serie de artes marciales donde las artes marciales son más que reseñables: alguna de las secuencias de acción, como el combate en el bar de carretera o en la fábrica del penúltimo capítulo no desentonarían en una película mediana del género. Son ingeniosas y variadas, hay ocasionales stunts potentes, episodios muy trabajados como el del asalto a la comisaría y en general, Stephen Fung (director de la serie, de varios episodios de 'Into the Badlands' y de películas como 'The Adventurers'), sabe lo que se hace.

Por desgracia, falla en 'Wu Assassins', precisamente, lo que hace interesante a 'Into the Badlands': un argumento consciente de sus posibilidades y que amalgame con cierta destreza todas esas notables secuencias de acción. A diferencia de películas de Iko Uwais como 'Triple amenaza' -una producción muy menor, pero con las cosas tremendamente claras-, 'Wu Assassins' se pasa de solemne con un material de derribo y menos digno de lo que la propia serie cree, y que merecía una mirada con un punto de ironía.

'Wu Assassins': Elegidos para el asesinato

La trama de 'Wu Assassins' sigue a pies juntillas los tropos del héroe elegido y que desconoce su destino: Kai Jin (Uwais) descubre que es el heredero de unos poderes místicos con los que tiene que derrotar a una serie de villanos con poderes basados en los elementos. Uno de ellos es su padre adoptivo, Uncle Six (Byron Mann), cabecilla de las triadas que además está siendo investigado por la policía y que se enfrenta a un rival venido de Europa, McCullough (Tommy Flanagan). 

Múltiples frentes que dan pie a una aventura con infinidad de personajes y escenarios. Policías infiltrados, un grupo de huérfanos criados bajo el crimen organizado de San Francisco, conflictos familiares entre nuestro héroe y su tío... Hay tantos frentes abiertos que al argumento le cuesta encontrar tensión: uno de los villanos secuestra excursionistas en su sótano, en una subtrama que dura apenas un capítulo; los problemas con la heroína de uno de los personajes da pie a un esquemático capítulo con coqueteo en Alcohólicos Unidos incluido...

Estos múltiples tentáculos dan una variedad a la serie a veces bienvenida, pero en otras ocasiones incluso mareante, y echa a perder ideas potentes. Se nos habla del poder de mil monjes en las manos del héroe, pero ese talante sobrehumano nunca llega a visualizarse. La idea de los cambios de aspecto para adoptar el aspecto de cada uno de esos mil monjes parece solo la excusa para que Mark Dacascos haga un cameo. Y el mundo paralelo donde es entrenado el protagonista no es aprovechado.

Todo ello viene acompañado de una falta de sentido del humor algo decepcionante, sobre todo cuando se acude a recursos tan manidos como que absolutamente todos los personajes tengan su correspondiente trauma de infancia, en algunos casos -¡lo de la radio en el coche!- involuntariamente cómicos. El mismo tiempo que sin duda se ha dedicado a que las secuencias de acción estén por encima de la media debería haberse enfocado a un guión con algo más de filo. Y así estaríamos ante algo más que una serie competente, pero donde solo brillan realmente sus estupendas peleas. 

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www.espinof.com | 12/08/19

OJO, SPOILERS: Este artículo incluye spoilers sobre la trama y detalles de las motivaciones del villano de 'Spider-Man: Lejos de casa'. No sigas leyendo si no has visto la película y no quieres enterarte de sus secretos. 

Marvel nos la ha jugado. Y no es la primera vez que lo hace. Dejó muy a la vista en el trailer de 'Spiderman: Lejos de casa', la nueva y fantástica película del héroe arácnido, un comentario del personaje de Jake Gyllenhall acerca de la existencia de dimensiones paralelas. Y los fans se volvieron locos. Internet se llenó de conjeturas acerca de cómo ese descubrimiento podía afectar a futuras fases del MCU (ya se había apuntado su existencia en 'Doctor Strange'), desde el regreso de héroes caídos en versiones alternativas a posibles aperturas de portales a otras dimensiones.

Los fans más aguerridos incluso conjeturaron (inspirados, sin duda, por la mayúscula 'Spider-Man: Un nuevo universo', una película que no forma parte del MCU pero que exprime la idea de los universos paralelos) con la llegada de nuevos Spider-Man. Pero no los canónicos Miles Morales, Spider-Gwen y compañía, sino con la aparición de Tobey Maguire o Andrew Garfield en próximas películas del Trepamuros. Hasta nosotros picamos con la posibilidad de que hubiera un futuro multivérsico para el MCU.

¿Y sabéis qué? No era verdad. Y la respuesta estuvo delante de nuestras narices todo el tiempo. No era verdad porque Mysterio es un mago del engaño: técnico de efectos especiales e ilusionista en su encarnación clásica en el cómic, experto en hologramas de alta tecnología rebotado con Tony Stark en 'Lejos de casa'. Nada de invasiones de criaturas interdimensionales, todo era humo y espejos por parte de Mysterio... como lo ha sido siempre.

El Mysterio de toda la vida

Mysterio es el sobrenombre del actor fracasado y dotadísimo técnico de efectos especiales Quentin Beck, que apareció por primera vez en el número 13 de 'The Amazing Spider-Man', en junio de 1964, escrito por Stan Lee y dibujado por Steve Ditko, ambos creadores originales del héroe. Aunque ese es su alter ego clásico, también han sido Mysterio Daniel Berkhart (haciéndose pasar por el fantasma de Beck en 1975 para volver loco a Peter Parker, bajo las órdenes de JJ Jameson) o Francis Klum (creado por Kevin Smith).

La encarnación de Gyllenhaal como Mysterio es la de un Quentin Beck modernizado, y esta es su primera versión bajo la piel de un actor de carne y hueso (aunque Bruce Campbell lo habría sido en la cuarta película de Sam Raimi, en un cameo junto a otros villanos de segunda categoría). Pero es una némesis clásica de Spider-Man y ha sido versioneado decenas de veces en series de animación, videojuegos y un largo etcétera. Es parte de los Seis Siniestros, como el Buitre, así que volveremos a verlo si está en los planes de Marvel dar cancha a ese grupo en el futuro.

La cuestión es que el fan medio de Spider-Man conoce a Mysterio, y sabe cuáles son sus características clásicas: experto hipnotista, ilusionista y técnico de efectos especiales. Las espectaculares secuencias con alucinaciones de Spider-Man, una de las cosas más destacables (pero menos comentadas, por los spoilers) de la película, son puro Mysterio, se han visto en abundancia en comics y también en videojuegos, con el héroe perdiendo control con la realidad. 

Sin embargo la película funciona, pese a que para los espectadores con más bagaje en los comics la sorpresa haya podido quedar arruinada. Bajo mi punto de vista, esto se debe a que el resto de las promesas que hace la película, desde su concepto mismo, o desde los trailers, se cumplen. Spider-Man viaja a Europa con el resto de su clase, hay una búsqueda de una figura paterna (aunque los avances hacían entender que se llevaba a cabo con el llorado Tony Stark, lo cierto es que es más interesante cuando esa figura se encarna momentáneamente en Beck) y, pese a la falta de trama interdimensional, Mysterio es un enemigo digno.

De hecho, la comentadísima secuencia post-créditos que encadena un celebrado cameo sorpresa de JK Simmons como JJ Jameson y la revelación pública de la identidad secreta de Spider-Man cumple, precisamente, esas funciones que en el resto de la película podrían haber quedado diluidas. El efecto sorpresa llega con ese cameo, francamente inaudito; y con su golpe final, se certifica que Beck es un enemigo a la altura del Trepamuros. Cualquier decepción previa queda automáticamente disipada.

Mysterio como metavillano  

La cuestión es que no es la primera vez que Marvel juega con expectativas frustradas, pistas falsas y trailer engañosos. De los trailers de 'Civil War' se eliminó a Spider-Man, y famoso es el plano falso del trailer de 'Infinity War' en el que se veía a Hulk corriendo en Wakanda junto al resto de los héroes. No hay más que ver cómo patinaron la inmensa mayoría de teorías de los fans sobre 'Endgame' para ver que el truco funciona: la discusión es constante, mantiene la conversación entre películas y garantiza sorpresas.

Por eso Mysterio consigue convertirse, un poco, en símbolo de la propia Marvel: con humo y espejos distrae al héroe y al espectador, ofreciéndole aparatosos CGI, monstruos gigantes y promesas de aventuras sin límite. Para luego asestarle/nos un golpe bajo en la forma de una revelación de identidad secreta a traición, muy poco honorable, en los post-creditos y cuando ya pensamos que está todo el pescado de la Fase 3 vendido. Un golpe bajo a años luz (literal y figuradamente) del pomposo existencialismo genocida de Thanos.  

Es agradable que Mysterio recupere el empaque de los héroes callejeros y urbanos que a menudo se enfrentan con Spider-Man con planes bajoneros, queaunque luego no resultan ser más que atracadores con ínfulas o con gadgets, al final son los que realmente le ponen en peligro, porque de lo cósmico ya se encargan los Vengadores. En ese sentido, Mysterio recuerda al Mandarín de 'Iron Man 3', otro farsante que pilló con la guardia baja a los fans más intransigentes y de cuyo derechazo conceptual (también fuertemente meta) muchos no se han recuperado, pese a que la película de Shane Black perdure como una de las mejores de la etapa inicial del MCU.

Mysterio, además, tiene un subtexto de tremenda actualidad al ser, esencialmente, un generador de fake news. Por supuesto, es tratado por Marvel con enorme ligereza y sin meterse en más fregados de la cuenta, pero lo cierto es que Blake usa la tecnología no solo para confundir y acosar al héroe, sino para convertirse él mismo en uno. A diferencia de un Buitre, de un Rino, de un Octopus, de un Lagarto, que son quimeras medio hombres medio alimañas, Mysterio tiene la dignidad y el porte de un héroe, y por eso engaña a SHIELD y a Peter Parker. Mysterio es, ante todo, un farsante, y los medios y la manipulación audiovisual están de su lado. 

Lectura social incluida o no, lo que está claro es que Mysterio supone un estimable poner los pies en tierra para el MCU, tras el inevitable desfile de villanos de alcance global o incluso cósmico. Un mentiroso compulsivo, un chapuzas antológico que, sin embargo, por un golpe de suerte pone a Peter Parker en el mayor jaque de su carrera. No te fíes de un segundón: no tiene nada que perder. 

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www.espinof.com | 15/07/19

'Spider-Man: Lejos de casa' ya ha llegado a los cines y está arrasando en taquilla hasta el punto de que no sería raro que se convirtiera en la película más taquillera protagonizada por el trepamuros hasta la fecha. A lo largo de su metraje hay varias sorpresas, pero una sobresale por encima de todas ellas -ojo con los spoilers a partir de aquí-.

En concreto me refiero al sorprendente cameo de J.K. Simmons volviendo a interpretar a J. Jonah Jameson, el personaje al que ya dio vida en las tres aventuras de Spider-Man dirigidas por Sam Raimi. El propio actor había dejado claro que no le importaría recuperar el personaje pero parecía casi un sueño imposible para los fans. Ahora Jon Watts, director de la película, nos explicó cómo fue posible en el podcast Reel Blend:

Sabíamos que ibamos a desvelar la identidad de Spider-Man al final de la película y tenía que ser a través de los medios de alguna forma. Entonces empezamos a hablar sobre cuál es el medio principal en los cómics y siempre ha sido The Daily Bugle. Ahí empezamos a hablar sobre cómo sería The Daily Bugle ahora.
Eso nos llevó a hablar sobre J. Jonah Jameson y... tenía que ser él. Nunca hablamos sobre la posibilidad de que fuera cualquiera otra. Tenía que ser JK Simmons. La pregunta entonces era... ¿lo haría?
Fue una reunión estupenda. Lo reservamos hasta el ultimísimo momento porque queríamos que fuera un secreto y que no trascendiese. Lo rodamos en una sala de conferencias de Marvel con una pantalla verde. Fue divertido porque era casi el mismo escenario con el que rodabamos las noticas de los chavales al principio de la película. Era él, un escritorio y la pantalla verde.
Él se metió de lleno en ello y fue asombroso, porque yo solo estaba viendo la película. Le pregunté "¿es esto raro?" y él respondió "un poco", pero él se metió de lleno en el personaje. Y fue... fue.. tuve escalofríos.

Y no fue el único que los tuvo. Personalmente disfruté mucho con la película, pero en algún momento me pasó por la cabeza que era una pena que Simmons no pudiera retomar el personaje de Jameson porque me parecía imposible que nadie pudiera estar a su altura. Se ve que no era el único que lo pensaba.

Ahora está por ver cuál será el peso de Simmons en futuras entregas, pero seguro que no soy el único que está deseando volver a verle. Además, esta breve aparición ya deja claro que The Daily Bugle ha cambiado y ahora es un medio electrónico, por lo que necesariamente tendrá que haber ciertos cambios que harán la vida imposible al personaje interpretado por Tom Holland, el mejor Spider-Man hasta ahora.

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www.espinof.com | 8/07/19

Ya tardaba en asomar la patita y finalmente parece que el Gobierno de España ha visto en las plataformas OTT como Netflix, HBO, Filmin y demás una nueva fuente de dinero para financiar la Radio Televisión Española. Según informa El Confidencial, el ministerio de Economía estaría preparando un cambio en la regulación que justificaría la tasa.

Esto vendría justificado mediante la ampliación del concepto de “operadores de servicios de telecomunicaciones” que se ha hecho en una reciente directiva de la Comisión Europea bajo el cual se incluirían este tipo de servicios de video bajo demanda.

Así quedaría, en cierto modo, igualados los operadores tipo Netflix, HBO y similares al resto de cadenas de televisión y, por tanto, se encontrarían obligados de pagar la tasa que pagan las cadenas privadas para financiar la televisión pública española. Impuesto que, por cierto, llevan años intentando deshacerse.

De momento todo este asunto está en proceso de consulta y está por ver si finalmente sale adelante esta tasa que giraría en torno al 1% de los ingresos de las plataformas (algo "lejos" del 3% que pagan las privadas). 

Por otro lado, hay que tener en cuenta que la relación de Netflix, HBO, Prime Video y demás OTTs en España con las televisiones en abierto no es de competencia "clásica". Es más, las plataformas se nutren de las producciones en ficción de la televisión para llenar parte de su catálogo y dotarlas de "segunda vida". 

Incluso en estos últimos meses estamos viendo coproducciones ('Brigada Costa del Sol', por ejemplo) y como productoras, las plataformas de streaming ya tienen obligación de financiar películas y series europeas. 

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www.espinof.com | 24/06/19

La 2 emite, en un montaje exclusivo y enriquecido con material de los archivos de RTVE 'Lo que hicimos fue secreto', documental de David Álvarez que revisa la historia de la música punk en la capital española, un trayecto más accidentado y menos previsible de lo que pudiera parecer. Para ello, Álvarez entrevista a una serie de nombres destacados del movimiento desde sus mismos inicios (algunos tan insospechados como Ramoncín, que no tenía nada de punk en el sonido pero sí en la actitud) y traza una sinuosa trayectoria rebosante de experiencias en primera persona. 

En hora y media ruidosa y llena de testimonios, el documental cuenta cómo se plantó la rebelión sónica que es el punk en la capital y cómo se desvirtuó o desnaturalizó en muy poco tiempo, para reencontrarse poco después a través de los movimientos sociales. ¿El motivo? La Movida, siempre la maldita Movida: aunque podamos considerar algunos de sus grupos como influidos por el movimiento (KK de Luxe, Pegamoides, Parálisis Permanente), y aunque muchos exhibieron indudables valores musicales, 'Lo que hicimos fue secreto' explica cómo la elevada clase social de sus cabezas visibles desactivó parte de la rabia punk genuina. 

Por suerte, el documental no se olvida de lo que sucedía en las alcantarillas del rock madrileño, pasando revista a grupos tan variados como Larsen, Tarzán y su Puta Madre o los monumentales OX POW, esos grandes desconocidos del punk de primera generación de la ciudad. Y encuentra gracias a la llegada de los movimientos de resistencia, las bandas muy movilizadas políticamente, la influencia vasca y el fenómeno de la okupación lo que realmente quiere contar: cómo el punk sobrevive en Madrid gracias a cuestiones ajenas a la música y muy alejadas de los tiempos de la Movida. 

Más allá de eso, el documental es necesariamente parcial, porque hay cientos de grupos que cubrir y 'Lo que hicimos fue secreto' no tiene ánimo enciclopédico: una enumeración de bandas habría sido excesivamente prolija, así que opta con buen juicio por escoger a unas cuantas voces destacadas y veteranas y que hablen no solo sobre la historia del momento, sino sobre las inquietudes, políticas e influencias que había detrás.

Por supuesto, queda mucho que contar si esto estuviera enfocado a cubrir la historia estrictamente musical porque el punk en Madrid, como el del resto de España, siguió evolucionando. A finales de los ochenta llegaron sonidos más afilados, agresivos y acelerados, que aquí se mencionan con grupos como Panadería Bollería Nuestra Señora del Carmen. Estos se ramificaron en múltiples bandas bajo las que germinó una escena muy activa que se trata parcialmente en el documental. En los noventa llegó la invasión del power-pop y un punk más frívolo influido por el indie. Y por supuesto está la revitalización actual de la escena, con una cantidad apabullante de nuevos combos.     

'Lo que hicimos fue secreto': Un documental que ha llevado diez años

Sin embargo, nada de eso se echa en falta en el documental, que suple con sencillez y conocimiento de causa sus inabarcables y asumidos vacíos temáticos. De hecho, el proyecto ha dado vueltas durante más de una década en formatos muy distintos. Nos cuenta Álvarez que  "Ivar Muñoz-Rojas y yo habíamos estrenado 'Dios salve al rock de estadio', un documental sobre las complicaciones de montar una gira europea autogestionada para un grupo de hardcore punk. Me quedé con las ganas de contar más cosas sobre la autogestión, y empezamos a hacer entrevistas en 2011 para un documental sobre la escena punk estatal".

Pero entonces sucedió lo inesperado: "Aquel año surge el 15M, y vimos que muchos de los mensajes y proclamas que había en las manifestaciones, la forma de organización horizontal, o determinadas cuestiones que aparecían en los debates que se daban en las asambleas, estaban muy relacionadas con lo que habíamos visto en el punk de los noventa, cuando éramos adolescentes". De ese modo se centró el tema algo más: "decidimos centrar la investigación en Madrid, y concretamente en la relación que tuvo la escena punk con los movimientos sociales madrileños". 

Pronto, el proyecto creció en una dirección inesperada: "como hicimos más de 70 entrevistas, haríamos también un webdoc dividido en 6 ó 7 capítulos de unos 20 minutos cada uno, utilizando el material que no utilizásemos en el largo. De hecho, llegamos a montar los dos primeros capítulos. Pero una vez terminamos con el largo, nos dimos cuenta que no tenía mucho sentido, porque el largometraje era casi un resumen de los primeros capítulos. Decidimos re-orientar el proyecto".

En este punto, entra en juego TVE: "nos ayudaron a replantear la narrativa del webdoc, y optamos por elaborar pequeños capítulos centrados en personajes específicos que tocasen temáticas que no habíamos explorado en el largometraje. De ahí salió el webdoc de 'Lo que hicimos fue secreto' que estrenamos en enero de 2018 y que sirve de complemento al largometraje". Esta nueva versión ha contado con el apoyo del Ente como coproductor: "Utilizábamos imágenes de archivo, cerca de 80 canciones, más de 200 fotografías… cuyos permisos había que gestionar uno a uno. Gracias a la participación de RTVE, hemos podido utilizar el material de archivo que utilizamos en el documental".

Esta nueva versión que se va a ver en TVE tendrá leves modificaciones con respecto al montaje que se vio en festivales como In-Edit: "Hemos incluido algunas imágenes inéditas que no habíamos visto nunca (por ejemplo, de la okupación de Amparo 83), y hemos añadido cortes de entrevistas". El resultado es un producto imprescindible para entender la evolución del rock en Madrid por debajo de los grandes medios, con un punto de vista distinto y alejado de los tópicos sobre la noche y la frivolidad de la Movida habituales.

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www.espinof.com | 20/06/19

A finales del pasado 2018 os trajimos los primeros datos sobre 'Criminal', la nueva y ambiciosa serie de producción propia de Netflix con la que la plataforma de streaming continúa reforzando su apuesta por la industria europea y, más concretamente, la española. Hoy hemos conocido los nombres que compondrán su reparto internacional, y la mezcla es, cuanto menos, curiosa. 

En el escueto avance que podéis ver sobre estas líneas, aparecen los principales rostros que protagonizarán los doce episodios autoconclusivos de 45 minutos, ambientados en España, Francia, Alemania y Reino Unido, que compondrán el show; estando Carmen Machi, Inma Cuesta, Eduard Fernández y Emma Suárez, al frente de la división ibérica.

Junto a ellos, tendremos a intérpretes como David Tennant y Hayley Atwell representando a los británicos; Nathalie Baye y Jérémie Renier en el sector galo; y Peter Kurth y Christian Berkel en lo que respecta a los teutones.

'Criminal' se ha rodado íntegramente en el Production Hub que Netflix tiene en la Ciudad de la Tele de Tres Cantos —Madrid—, y se estrenará este otoño. Mariano Barroso estará al frente de los episodios ambientados en España, mientras que Oliver Hirschbiegel, Jim Field Smith y Frederic Mermoud se encargarán de los alemanes, británicos y franceses respectivamente; Field Smith y su guionista George Kay harán las veces de showrunners.

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www.espinof.com | 17/06/19

El estreno de 'Chernobyl' ha revivido miedos del pasado. Para muchos, resulta una pieza de gran televisión, que toma elementos del lenguaje del cine de ciencia ficción y de terror y los incorpora a la documentación de un desastre que arañaba la superficie de la Guerra Fría latente. Es una serie que bien podría haber sido uno de los opresivos filmes televisivos de la época, que trataban de concienciar de los peligros de la era nuclear.

En la actualidad, las películas sobre desastres tratan de fallas tectónicas, incendios y el cambio climático, pero durante unas cuantas décadas, el miedo más arraigado en la población mundial fue el de un apocalipsis más que probable: la guerra nuclear. En los 80, el clima se hizo especialmente paranoico, más con un Ronald Reagan que no se cortaba a la hora de blandir el puño delante de los rusos. Era la época de los grandes botones rojos listos para lanzar cientos de misiles, cuyas consecuencias eran un misterio desasosegante para la población.

Además de la influencia en la ficción más palomitera —de los filmes de Mad Max a sus imitaciones italianas y americanas— las películas que se hicieron en esos años para tratar de hacer despertar a la clase política mundial solían tender al realismo de una suposición, pero parecía que costaba mirar a la realidad experimentada. Oriente estaba demasiado lejos y la Gran Guerra olvidada. No todo el mundo tenía idea de lo que la población de Hiroshima y Nagasaki había experimentado durante y después de las explosiones nucleares en 1945.

La narración de primera mano de un superviviente

Las únicas representaciones de ficción sobre las consecuencias se podían encontrar en cintas tan atípicas como ‘Hiroshima, mon amour’ (1959) porque, al menos en el mundo occidental, no era común encontrar el manga ‘Pies Descalzos’ (Hadashi no Gen, 1973-1974) de Keiji Nakazawa, una desgarradora novela gráfica autobiográfica que narraba los horrores en los que se vio sumida la ciudad de Hiroshima, sin evadir detalles que hacían que su público shonen (juvenil) no fuera el más adecuado.

El manga narraba la historia de un estudiante de primaria llamado Gen Nakaoka que junto a su madre sobrevive al bombardeo atómico de Hiroshima. La primera adaptación estaba compuesta de tres películas bajo el título de ‘Hadashi no Gen’ (1976) y no son fáciles de encontrar, aunque su descripción de la caída y efectos de la bomba atómica eran casi ingenuos, a pesar de dibujar bien una catástrofe no era nada comparado a lo que llegaría en 1983.

El anime ‘Hiroshima’ (Hadashi no Hen, 1983) superaba todo lo que se había hecho relacionado hasta el momento con ficciones de horrores nucleares, porque, a pesar de estar planteada a base de dibujo tradicional —o precisamente por ello— no escondía nada de los efectos de la explosión sobre la gente, además, se hicieron contando con una gran herramienta que la diferenciaba de otras como ‘El día después’ (The Day After, 1983): el testimonio real de un superviviente que reunió el coraje para revivir lo que tuvo que ser todo un trauma.

Dibujos animados con shock educativo

Keiji Nakazawa tenía seis años cuando cayó la bomba, mientras se dirigía a la escuela en el centro de Hiroshima. En un instante, todo a su alrededor cambió. La ciudad fue arrasada puesto que había muy pocos edificios con cimientos de acero y piedra. Se libró por una fracción de segundo, por el efecto de desplazamiento de la onda expansiva y unos escombros que le protegieron. Un milagro. Muchos se vaporizaron instantáneamente o fueron calcinados por la explosión explosiva o la tormenta de fuego posterior.

Los supervivientes podrían morir por los efectos de la radiación en los siguientes** minutos, meses o años**. Keiji consiguió escapar y se quedó en las afueras de la ciudad cuando se empezó a reconstruir. Se convirtió en un escritor de manga, pero no pudo publicar el primer volumen de su obra más famosa hasta 1973, cuando Japón pudo hablar de Hiroshima y Nagasaki de forma directa, sin metáforas de lagartos radioactivos gigantes de por medio. Hay partes dramatizadas, pero el 70 por ciento de la obra cuenta la realidad.

La película animada fue producida por Madhouse y estaba dirigida al público infantil, pese a lo cruento del material; esa intención se deja notar en detalles particulares como la alegre y cursi música del título. Su inicio no desentonaría en el catálogo de Ghibli, con la presentación de un Gen de seis años y su hermano menor, divirtiéndose con travesuras en el campo, un medio rural japonés devastado por la guerra mientras su padre lucha por alimentarlos y se queja del gobierno por no capitular en la guerra.

El efecto nuclear, en tu cara

La animación es bastante simple pero con los detalles necesarios y, de vez en cuando, una breve voz en off narra los avances de la guerra y el estatus de la bomba que se está preparando. Durante el primer tramo de la película vemos con detalle cómo era la vida en la ciudad en 1945, dejándonos empapar de la inocencia de la población para que, cuando la bomba caiga, el efecto sea más desolador, si cabe. Y cuando lo hace, es difícil estar preparado.

En solo un instante, 80.000 civiles mueren de golpe. Gen sobrevive accidentalmente, y despierta en medio de una auténtica pesadilla. Pero nosotros hemos visto cómo los cuerpos se calcinan con el horroroso proceso de licuefacción de los ojos. Algunos de los heridos que caminan están parcialmente derretidos, la muerte parece una mejor opción. Las imágenes podrían ilustrar una conceptualización del infierno en la Tierra. Los cadáveres están en todas partes y los escombros todavía están en llamas. Todo con horrendos y gráficos dibujos.

La idea de que un montón de niños se encuentren con ese mural de atrocidades, cuasi nueva carne y desesperación en su emisión por televisión puede resultar muy educativo, pero el catálogo de grotesquería que no alcanzamos a comprender, es posible que dejara secuelas. Especialmente en lo emocional, pues cuando Gen descubre lo que le ha sucedido a su familia es triste y arrollador al mismo tiempo. En los días siguientes, mientras Gen lucha por encontrar comida y refugio, la gente sigue muriendo lenta y dolorosamente por los efectos de la radiación.

Secuelas, esperanza y responsabilidad

Una vez ese imborrable impacto inicial, Gen pasa a través de la oscuridad de los días iniciales tras la bomba, con la perspectiva positiva de un niño de seis años, cuando aún no consideramos que nada sea imposible y el humor en pequeños detalles. Una especie de versión complementaria y opuesta aEl imperio del sol’ (Empire of the Sun, 1987) de Spielberg. Una nueva adaptación reciente de la televisión japonesa amplia la historia a tres horas, pasando más tiempo con la familia de Gen, pero es mucho más convencional.

La historia de Gen continuó en otra película animada ambientada tres años después. ‘Barefoot Gen 2’ (1986) muestra la lenta recuperación de Hiroshima, con huérfanos vagando por las calles y el mercado negro prosperando. Sería muy similar a otras historias de posguerras si no tuviera personajes que deben de lidiar con los efectos continuos de la radiación con una sección médica que aún carece de las investigaciones o tratamientos necesarios por falta de investigación.

Muertos aún no enterrados, y un aura fantasmal etérea dejan en bandeja el tema del resentimiento de las fuerzas estadounidenses de ocupación. Décadas más tarde, la exposición a la radiación sigue matando a los supervivientes de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki —el propio Keiji Nakazawa estuvo luchando contra el cáncer hasta su muerte en 2012— y aunque hay muchos documentos al respecto ahora, ‘Pies descalzos’ sigue siendo el documento más hermoso, conmovedor y espeluznante sobre lo que se vivió bajo la detonación.

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La noticia 'Chernobyl' es un juego de niños frente a 'Hiroshima' (1983), espeluznante anime sobre el desastre nuclear fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

www.espinof.com | 13/06/19

La madre de todas las catástrofes no se acaba nunca. Desde los que vivimos aterrados aquellos informativos alarmantes, la tragedia de Chernóbil ha estado presente cada día en el imaginario colectivo.

Pesadillas radioactivas

Todo el mundo en algún momento de su vida recuerda aquel fatídico 26 de abril de 1986, cuando una serie de desequilibrios en el reactor 4 de la central nuclear provocaron una serie de explosiones y la voladura de la tapa del reactor, expulsando enormes y letales cantidades de material radiactivo a la atmósfera, formando una nube de radiación que se extendió por Europa y América del Norte.

En formato documental, ficción realista, fantástica o con un simple guiño, las consecuencias de la catástrofe de Chernóbil cambiaron la historia de la humanidad, pero también impactaron con gran fuerza en los contenidos audiovisuales.

Desde el principio, el cine y la televisión han servido como un mecanismo de alerta y de adaptación para ayudarnos a procesar los terrores invisibles de la radiación. En los años posteriores a Hiroshima y Nagasaki, a veces no ofrecía mucho escape: la película de 1954, ‘Godzilla’, utilizaba a una iguana nuclear, gigante y cabreada como sustituto de la bomba atómica. El monstruo inunda de terror en una ciudad desprevenida mientras causa destrucción en una escala incalculable. Ishiro Honda hizo que los paralelismos fueran difíciles de ignorar. 

Más allá de los obvios paralelos monstruo-como-bomba, la película funcionaba perfectamente en su vertiente dramática (no como la horrenda secuela recién estrenada en casi todo el mundo salvo España) al presentar crudas imágenes de víctimas hospitalizadas que se hacían eco de las imágenes reales de los supervivientes que se veían en las noticias.

Con el tiempo también se ha intentado utilizar el marco de Chernóbil en otros ámbitos. 'Atrapados en Chernóbil', lamentable revisitación de títulos como 'Las colinas tienen ojos' perpetrada por Bradley Parker y Oren Peli, ponía de fondo la tragedia para ambientar un infame found footage que sacará los colores del mayor aficionado al (sub)género.

Menos afortunada en taquilla, puede que también menos respetada a pesar de ser muy superior a su aventura anterior, 'La jungla: Un buen día para morir', tenía un chiste 100% McClane a costa de la radiación de la zona que provocó no pocas risas entre los seguidores. Si tengo que elegir entre alguna de las dos, siempre me quedaré con la que de momento sigue siendo la última entrega de nuestro policía favorito.

Realistas pesadillas de ficción

Pero la catástrofe nuclear no solo ha alimentado al cine fantástico. Y como ha demostrado la magistral y pesadillesca serie de HBO, cuanto mayor realismo tiene el tratamiento al pánico nuclear, mayor carga de temores vitales, miedos personales y angustia existencial recibe el espectador. Incluso cuando se trata de animación. Y no, no me estoy refiriendo a 'Cuando el viento sopla'.

Aunque el pánico nuclear no tenga nada de romanticismo, si nos empeñemos con ahínco en demostrar que somos unos románticos puede que recibamos al apocalipsis con mejor cuerpo. Tal vez, por qué no, acabemos convertidos en diamante. Steve De Jarnatt solo dirigió dos películas, pero una de ellas es una obra maestra absoluta. '70 minutos para huir' es una de las mejores pesadillas jamás rodadas.

Pero no fue necesario esperar a la catástrofe de 1986 para meter el miedo en el cuerpo del espectador. En 1979 James Bridges presentaba su obra maestra, 'El síndrome de China', un clásico que aunaba el thriller periodístico tan de moda entonces con la otra gran apuesta de Hollywood: las catástrofes.

Con aires realistas y concienciados, también pone el ojo sobre la conspiración y el corporativismo sin perder credibilidad. La excelente dirección de Bridges y un reparto en estado de gracia hacen el resto.

Por supuesto, siempre nos quedará 'Threads' como reflejo realista del what if y de las consecuencias de un desastre nuclear. Esta cada vez más reivindicada producción de la BBC sobre un hipotético ataque nuclear en la ciudad de Sheffield y sus consecuencias es una de las más desgarradoramente realistas apuestas por la crudeza radioactiva. 

En gran medida, el 'Chernobyl' de HBO de mediados de los ochenta pero con la desgracia de haber sido, más o menos, premonitoria.

Contra todo pronóstico, otro gran mazazo nuclear llegó en una película tan comercial como una entrega de Jack Ryan pueda ser. 'Pánico nuclear', primera y única incursión de Ben Affleck como personaje estrella de Tom Clancy, incluía una inesperada bomba nuclear reventando las ilusiones de un país. Porque el mundo, a veces, no importa tanto como esos inocentes aficionados que llenan estadios. Por supuesto, no estoy haciendo referencia a la gente de Liverpool.

Documentadas pesadillas reales

En el estupendo catálogo de Filmin podemos encontrar 'Voces de Chernóbil', documental basado en el libro de la Nobel de Literatura Svetlana Alexievich. El documental no trata sobre el incidente de Chernóbil en sí, más bien se centra en un mundo del que sabemos muy poco. Los informes de testigos que han sobrevivido, científicos, maestros, periodistas, familias, niños... gente hablando de sus vidas y de la catástrofe. Voces que forman una larga, terrible pero necesaria súplica que atraviesa fronteras y nos estimula a cuestionar nuestro status quo.

Todavía inédito en España, 'The Russian Woodpecker' es un interesante documental vencedor en Sundance, que gira sobre una víctima ucraniana del desastre nuclear que descubre un oscuro secreto y debe decidir si arriesgar su vida y desempeñar su papel en la revolución al revelarlo cuando su país está atrapado por la revolución y la guerra.

Hace más de quince años, HBO ya trató el asunto en un documental de cuarenta minutos titulado 'Chernobyl Heart'. Este documental ganador de un Premio de la Academia trata sobre los niños que después del desastre de la planta nuclear de Chernobyl en 1986 han nacido con una condición cardíaca deteriorada.

Más allá de los problemas de salud atribuidos a vivir bajo el espectro de la lluvia nuclear, aquí destacan las condiciones de vida en las que se encuentra la mayoría de esta gente. Niños discapacitados y abandonados, personas mayores que se niegan a dejar su tierra natal a pesar de estar contaminadas con altos grados de radiación y demás miserias en forma de deuda humana con la tragedia.

También de 2015, 'The Babushkas of Chernobyl' pone en el punto de mira la Zona Muerta que rodea al fatal Reactor nº4, donde una desafiante comunidad de mujeres se mantiene en pie en uno de los lugares más tóxicos de la Tierra. 

Independientemente de los riesgos, todas las mujeres están ahí porque quieren estar, y son más felices que si se hubieran desplazado. Las personas que fueron sacadas de su hogar en los días posteriores a la explosión están muriendo más jóvenes, y un doctor sugiere que la angustia es un asesino más grande que la radiación a la que están expuestas las mujeres.

Otro prestigioso trabajo que ahora cumple veinte años es 'Pripyat'. El documental cubre las historias de las personas que eligen trabajar y vivir en Pripyat. Los narradores de historias entrevistan a los guardias que vigilan la "zona" tal como se la conoce, en un esfuerzo por evitar que la gente retire cualquier elemento que haya quedado después de la evacuación.

Ahora que la serie de HBO ha llegado a su fin, no está de más seguir indagando en la cultura y el legado de una tragedia que aún sigue vigente y que, aunque sea a través de la lujosa ficción de una plataforma millonaria, viene bien honrar de vez en cuando. Que no se nos olvide que no somos más que partículas insignificantes.

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www.espinof.com | 4/06/19

POR VOTACIÓN
La también directora de Proyectos Internacionales de TVE ha sido elegida en una votación con 49 países presentes.

Ana María Bordas, nueva vicepresidenta del Comité de televisión de la Unión Europea de Radiodifusión
www.formulatv.com | 28/05/19

Estamos en una de las semanas más esperadas del año para muchos. Y no estoy hablando ni de 'Juego de Tronos' y ni siquiera de los upfronts. Estoy hablando de Eurovisión, el gran festival de la canción en el que compiten la inmensa mayoría de los países de Europa y naciones amigas como Israel, la nación anfitriona, y Australia.

La gran cita será mañana a las 21:00 (hora española) cuando las luces del escenario del Pabellón 2 del Expo Tel Aviv, en Israel, se encienda con las primeras actuaciones. Será un evento presentado por Erez Tal, Bar Refaeli, Assi Azar y Lucy Ayoub, que irán dando paso a las actuaciones de los 26 países participantes en esta gran Final del Festival de Eurovisión.

A estos 26, de la que España (con Miki, elegido durante OT 2019) participará en último lugar habrá que sumarle actuaciones estelares de nada menos que Madonna. Una gala que, sin duda, nos dejará momentos inolvidables que serán una mina de memes impagable. En España la gala se verá a través de La 1 de TVE con Julia Varela y Tony Aguilar de presentadores.

Así que, para ir abriendo boca, os ponemos las actuaciones en Semifinales de los 26 países finalistas, con su orden de actuación. Nos encontramos, sinceramente, con un poco de todo. Poca cosa que llame la atención o arriesgada y mucha power ballad típica eurovisiva. Aún así hay actuaciones y canciones que pueden darnos grandes momentos. 

1: Malta | Michela - Chameleon
2: Albania | Jonida Maliqi - Ktheju tokës
3: República Checa | Lake Malawi - Friend of a Friend
4: Alemania | S!sters - Sister
5: Rusia | Sergey Lazarev - Scream
6: Dinamarca | Leonora - Love is forever
7: San Marino | Serhat - Say na na na
8: Macedonia del Norte | Tamara Todevsksa - Proud
9: Suecia | John Lundvik - Too late for love
10: Eslovenia | Zala Kralj & Gašper Šantl - Sebi
11: Chipre | Tamta - Replay
12: Países Bajos | Duncan Laurence - Arcade
13: Grecia | Katerine Duska - Better Love
14: Israel | Kobi Marimi - Home
15: Noruega | KEiiNO - Spirit in the Sky
16: Reino Unido | Michael Rice - Bigger than us
17: Islandia | Hatari - Hatrið mun sigra
18: Estonia | Victor Crone - Storm
19: Bielorrusia | Zena - Like it
20: Azerbaiyán | Chingiz - Truth
21: Francia | Bilal Hasani - Roi
22: Italia | Mahmood - Soldi
23: Serbia | Nevena Božovi? - Kruna
24: Suiza | Luca Häni - She got me
25: Australia | Kate Miller Heidke - Zero Gravity
26: España | Miki - La venda

La verdad es que visto lo visto me extraña que Miki no esté mejor considerado en las apuestas. Pero bueno, la verdad es que mis favoritas son, sin duda, Australia, Islandia, San Marino y Noruega . Reconozco que mientras no gane Países Bajos o el C. Tangana italiano, me vale. 

Y vosotros, ¿cuáles son vuestros favoritos de Eurovisión?

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www.espinof.com | 17/05/19

Bienvenidos al episodio número 3.472 —más o menos, ya he perdido la cuenta— de la cada vez menos apasionante novela "exhibidores tradicionales contra Netflix"; una nueva reincidencia sobre el tema que esta vez trae el conflicto hasta tierras españolas para demostrar que, como cantaba Julio Iglesias, la vida sigue igual.

En esta ocasión el protagonista ha sido Fernando Évole, vicepresidente de la Federación de Entidades de Empresarios de Cine de España —FECE— y gerente de Yelmo Cines en España, el encargado de hacer saltar nuevamente la liebre en el marco de una presentación en la que se evaluaba el estado del sector tras el último año.

Además de hacer balance, Évole ha instado a Netflix, de este modo y con las siguientes justificaciones, a adaptarse al sistema tradicional de ventanas de exhibición.

"El modelo de negocio vigente en todo el mundo es que hayan ventanas de explotación para largometrajes que son explotados uno a uno y, por ende, maximizando el valor de cada una de esas ventanas. 
La posición de los exhibidores, no sólo en España, sino en todo el mundo, es que estaríamos encantados si Netflix entendiese la oportunidad y adaptase se adaptase al actual modelo de negocio que está funcionando para tantas compañías. Estaríamos encantados si una compañía como Netflix, que está invirtiendo fuertemente en contenido, viese la oportunidad de adaptarse y maximizar el valor de sus películas."

El vicepresidente de FECE ha utilizado como ejemplo a la celebrada 'Roma' de Alfonso Cuarón para mostrar a la plataforma de VOD las presuntas ventajas de sumarse al sistema tradicional, y ha celebrado la cada vez mayor competencia en el sector del streaming:

"Podría haber sido un éxito aún mayor en taquilla y hubiese tenido más valor en ventanas posteriores si hubiese maximizado la explotación en todas las ventanas. Eso no ocurrió, pero esperamos que la posición de Netflix pueda cambiar en el futuro. Y, además, creo que es muy bueno para el sector que compañías como Disney, Warner y Universal estén apostando en plataformas digitales porque esa competición conducirá a una nueva forma de trabajar que maximiza el valor de las ventanas".

Pese a esta competencia y proliferación de nuevos servicios de streaming a la que hacer referencia Évole, el sector español de la exhibición cinematográfica sólo ha sufrido un descenso de un 2% en la venta de entradas en 2018, situándose como el tercer mercado más rentable de Europa.

Juan Ramón Gómez Fabra, presidente de FECE

Pero, ¿qué nos depara el futuro? El presidente de FECE, Juan Ramón Gómez Fabra, nos da una pista de lo que nos espera, afirmando que "la asistencia a los cines está marcada por dos puntos: películas infantiles, en la que los padres tienen un papel importante, y eventos cinematográficos o películas para adolescentes".  

Este razonamiento no resulta en absoluto halagüeño, sugiriendo que las salas de cine quedarán reservadas —aún más si cabe— para los grandes estudios y los grandes éxitos asegurados en taquilla, y los cinéfilos que gusten de obras de menor envergadura, obligados a rezar por que los filmes que les interesen lleguen de rebote a la pantalla grande. Y esto, a juicio del que suscribe, no es un problema de ventanas de exhibición y de competiciones con el VOD, sino que se ajusta al dicho de que "la pela es la pela"

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www.espinof.com | 8/05/19

Disney+ ha comenzado oficialmente su cuenta atrás. Anoche, durante la reunión con accionistas, Bob Iger dio un primer vistazo a lo que será una de las principales jugadoras en el mundo del streaming y los servicios OTT. Un servicio que llegará en noviembre con un catálogo jugoso con miles de episodios y centenares de películas en su lanzamiento.

Mientras esperamos a su lanzamiento en España (que está previsto para el segundo trimestre fiscal de 2020) con su precio definitivo, está claro que la gigante llega con fuerza y dispuesta a comerle el terreno al ya de por sí competido terreno audiovisual.

Así que vamos a intentar discernir cómo quedaría en España el mercado de las OTTs tras la llegada de Disney. Y para ello vamos a coger a las plataformas más importantes y ver qué nos ofrecen y por cuánto.

  • Disney: 6.99 dólares/mes (o $69.99 al año)
  • Netflix: 7.99 euros/mes (básico); 10.99 (estándar); 13.99 (premium)
  • Filmin: 7.99 euros/mes (básico); 14.99 (con 3 estrenos); 95 euros (anual con revistas)
  • HBO: 7.99 euros/mes
  • Amazon: 36 euros/año (todo Prime)
  • Sky: 6.99 euros/mes

Aquí hemos dejado fuera a Movistar por la imposibilidad de contratarlo como un servicio independiente (por ejemplo, el Fusión Base con 100 Mb ronda los 65 euros al mes); DAZN, al estar especializado en deportes; y otras como Starzplay o AXN Now, ya que tampoco se pueden contratar independientemente.

Comienza la batalla del catálogo

Disney+ llegará con estrenos recientes (aseguran a 'Capitana Marvel' y 'Vengadores: Endgame' en sus primeros meses de vida). En los últimos meses hemos visto cómo ha ido rompiendo acuerdos (o no renovándolos) con plataformas muy tochas como Netflix con la idea de derivarlo todo a la OTT. Aquí tendremos que tener en cuenta que, de algún modo u otro, no solo llegará el Disney más puro (y Marvel y Star Wars) sino también el catálogo de FOX con películas y series de canales como FX. Lo que no queda claro es si a España llegaría con un paquete con Hulu o si en la plataforma en sí.

Netflix es una de las que más tiene que perder con la llegada de Disney y las demás futuras plataformas que vendrán con su librería (TimeWarner y la de NBCUniversal entre otros). Sus "grandes clásicos" ('House of Cards', por ejemplo) son casi un recuerdo lejano y, si bien tienen cada semana un buen puñado de novedades (la churrería sigue abierta), el ruido de las que logran destacar se diluye al cabo de pocos días creando una sensación de pan para hoy y hambre para mañana independientemente del inmenso catálogo que tienen. 

Movistar+ es, dentro de las grandes, la competidora más débil si hablamos de televisión. Ahora mismo más allá de la distribución de cadenas de pago (FOX, AXN...) su principal alianza es con Showtime ('Shameless', 'Homeland') que, a su vez es filial de CBS, y se preocupa por traer producciones europeas. Además, en este último par de años la plataforma está potenciando con bastante éxito su línea de originales. 

La naturaleza de Sky (cuya matriz es de Murdoch, el jefazo de Fox) como proveedora de canales y su catálogo bajo demanda hace que el asunto sea complejo. En principio no debería haber problema ya que Disney+ no afecta a los canales de pago de la compañía (Disney XD, National Geographic...) por lo que no debería haber cambios en los contenidos de Sky, que seguirá ofreciendo una decena de canales y sus respectivos contenidos "a la carta".

Filmin tiene en su poder una gran baza: la de haberse especializado en las producciones independientes y europeas y, además tener un puñado de cintas clásicas (una de las asignaturas pendientes del mercado OTT). La llegada de Disney (o de casi cualquier otra plataforma) apenas se notará. Un caso parecido tenemos con AcornTV y Flixolé al estar especializadas la primera en series británicas y la segunda en cine español.

HBO España anda, como parte de la división europea de la plataforma estadounidense, en pleno proceso de crecimiento. Un catálogo cada vez más interesante (y de calidad) y extenso gracias al contenido de Warner (su matriz) y la próxima llegada de series originales españolas. De Disney tienen bastante ('Legión', 'Runaways', algunas series de FX...) que, presumiblemente irán perdiendo a lo largo de 2019. Lo que no sabemos todavía es cómo el futuro OTT de WarnerMedia afectará a su contenido.

Amazon también lleva tiempo potenciando mucho la distribución de sus propios originales y se preocupa por traer cintas independientes. Aun así sí que tiene contenido de FOX/ABC/Disney ('Anatomía de Grey', 'The Good Doctor', 'The Shield') y series de otras majors como NBCUniversal ('The Office', 'Rockefeller Plaza').

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www.espinof.com | 12/04/19

Netflix ha celebrado hoy la inauguración oficial de su primera sede de producción europea en Madrid y aprovechando la ocasión ha presentado también dos nuevos proyectos televisivos.

Made in Spain

Como parte de su importante inversión en contenido español, la plataforma apoya la producción nacional, ya sea arropando éxitos de su catálogo como 'Paquita Salas', 'Las chicas del cable' o 'La casa de papel' o como en el caso de hoy, presentando dos nuevas apuestas en la ficción nacional.

Hoy Netflix ha anunciado la incorporación de dos nuevas series, 'El inocente' y 'Los favoritos de Midas', a su catálogo de producciones para esta temporada y la que viene. Además también ha compartido hoy el póster de 'Alta mar', otro thriller ambientado en los años 40, que se estrenará de forma global esta primavera.

La primera es una adaptación del bestseller de Harlan Coben, una serie de 8 episodios creada por Oriol Paulo ('Durante la tormenta') sobre un ex convicto que volverá a ver su vida truncada.

Por su parte, 'Los favoritos de Midas' es una creación de Mateo Gil y Miguel Barros protagonizada por Luis Tosar. Seis episodios que adaptan libremente el cuento homónimo de Jack London publicado en 1901 y que narra la historia de un rico empresario que sufre el chantaje de una misteriosa organización que amenaza con matar a una persona al azar de manera periódica.

Con estas producciones la plataforma espera duplicar el número de empleados, técnicos, actores y equipo artístico de los últimos cuatro años. Para ello cuenta con nombres tan importantes como Álex Pina, Belén Atienza y una larga lista de talento del audiovisual nacional.

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www.espinof.com | 4/04/19
La plataforma de televisión inaugura en Tres Cantos su primer centro de producción en el continente
La plataforma de televisión inaugura en Tres Cantos su primer centro de producción en el continente

La plataforma favorita del mundo sigue expandiendo su producción en  Europa.
Netflix está realizando una gran inversión en el mercado italiano y la prueba es el anuncio de tres nuevas series originales.

Netflix añade nuevo contenido en Italia con una serie en forma de drama sobrenatural, 'Curon'; una nueva adaptación del éxito 'Tres metros sobre el cielo'; y una adaptación de la premiada novela de Marco Missiroli, 'Fedelta'.

No somos ni Romeo ni Julieta


La primera cuenta la historia de una mujer que regresa a un pueblo misterioso en el norte de Italia donde creció, solo para descubrir que su pasado también vuelve para perseguirla a ella y a sus hijos.

La segunda, conocida más que de sobra por el espectador español, es la historia de Sally y Ale, dos jóvenes de muy diferente origen unidos por su amor por las carreras de motocicletas a lo largo de la costa del Adriático. La trilogía de libros de Federico Moccia ha vendido más de 10 millones de ejemplares en todo el mundo y Grand Central Publishing ha adquirido los derechos en inglés de la serie.

'Fedelta', situada entre Milán y Rimini, es la historia de una joven pareja que debe lidiar con las consecuencias de una supuesta traición.

"Italia es una cuna de grandes narradores y talentos increíbles, y nuestro objetivo es encontrar esas voces únicas locales y que puedan resonar en nuestra audiencia global", afirma Kelly Luegenbiehl, vicepresidenta de la división internacional de Netflix Originals.


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www.espinof.com | 1/04/19

En 2014, el festival de Sundance recibió con los brazos abiertos un falso documental que relataba, en tono cómico, la convivencia de un grupo de vampiros que son compañeros de piso en Wellington, Nueva Zelanda. Escrita, dirigida y protagonizada por Taika Waititi y Jemaine Clement, 'Lo que hacemos en las sombras' ('What we do in the shadows') tuvo una gran acogida.

Cinco años después, nos encontramos con el estreno en televisión (FX de cadena original y HBO España) de 'Lo que hacemos en las sombras', una serie "mockumentary" que coge el mismo concepto y lo traslada a una casa de Staten Island, Nueva York.

Creada por Taika Waititi y Jemaine Clement, quienes dirigen y escriben el primer episodio (Clement dirigirá los siguientes) y con Paul Simms ('Los Conchords') ejerciendo como showrunner, esta nueva comedia cuenta con diez episodios de los que hemos podido ver cuatro. Y, solo por adelantar, la serie es tan fabulosa como podemos imaginar.

Al primero que conocemos en 'Lo que hacemos en las sombras' es a Guillermo (Harvey Guillen), familiar de Nandor El Implacable (Kayvan Novak), vampiro otomano y autoproclamado "líder" de la casa. Completando el grupo están el "canallita" Laszlo (Matt Berry) y la seductora Nadja (Natasia Demetriou).

Hay un cuarto viviendo con ellos, Colin Robinson (Mark Proksch), pero le intentan evitar al ser un vampiro de energía, es decir, te drena la vitalidad. Al poder hacer vida de humano normal y trabajar en una oficina, este personaje será un enlace desopilante con el mundo real, aunque a veces queda "descolgado".

La serie comienza con el anuncio de la visita de uno de los vampiros más importantes de Europa, decepcionado porque este trío vampírico no ha conquistado la totalidad del Nuevo Mundo, lo que se convertirá en el objetivo de estos compañeros de piso.

Un falso documental maravilloso

Es curioso cómo el formato de falso documental logra ser una cápsula óptima para cierto tipo de series. En este caso creo que planificada de otra manera hubiera perdido gran parte de su encanto y su genialidad. Seguro que tendríamos muchas menos raciones de planos de ojos brillantes y bufidos.

Si te gustó la película, te gustará la serie ya que comparte tono, estilo y espíritu, nada raro ya que son los mismos los que la hacen.... y si no la viste o no te gustó, yo os animaría a ver la serie igual ya que es muy buena, divertida y consciente de sí misma.

Sin embargo creo que es en lo visual donde menos atractiva es la serie. No sé si es por la iluminación verdusca o por la máxima del keep it cutre que auna la necesidad de trabajar con un presupuesto ajustado con la idea de representar la mediocridad de lo cotidiano en vampiros de tres al cuarto.

Pero poco de ello importa, porque resulta que solo con las idas y venidas de los protagonistas de 'Lo que hacemos en las sombras' tenemos aseguradas risas producidas por un humor que no huye de lo obvio, pero tampoco le asusta ser sutil.

Además, es una serie en la que en cualquier momento nos podemos encontrar cameos y colaboraciones algo inesperadas. El episodio 3, con Vanessa Bayer de actriz invitada en un papel absolutamente genial, es un gran ejemplo de ello. Y ojo al papel recurrente de Beanie Feldstein, que promete mucho.

La verdad es que con 'Lo que hacemos en las sombras' me he visto disfrutando como un enano. Una gran serie que ya apunta a posicionarse como una de las comedias revelación de la temporada. Tan divertida como maravillosa.

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www.espinof.com | 28/03/19